सार कला की उत्पत्ति और इतिहास, विशेषताओं, पेंटिंग और अन्य

अमूर्त कला यह सभी कलात्मक अभिव्यक्ति है जो किसी भी वास्तविक प्रतिनिधित्व से खुद को अलग करती है, एक प्राकृतिक से पूरी तरह से अलग जगह बनाने के उद्देश्य से। अमूर्तता की यह भावना विभिन्न ज्यामितीय आकृतियों, साथ ही बिंदुओं, रेखाओं और शुद्ध रंगों के उपयोग के माध्यम से प्राप्त की जाती है.

एक कलात्मक धारा के रूप में अमूर्ततावाद को गैर-आलंकारिक कला के रूप में भी जाना जाता है; इसका मतलब है कि इस शैली का प्रतिनिधि पारंपरिक कला के साथ संपर्क का कोई मतलब नहीं है। इसके बावजूद, वास्तविकता के साथ यह दूरी इसकी उपेक्षा नहीं करती है, बल्कि विरोध या विरोध का प्रस्ताव करती है.

पारखी लोगों के अनुसार, अमूर्त कला को समझने के लिए यह जानना आवश्यक है कि कैसे अनुमान और अमूर्त के बीच विचार-विमर्श किया जाए, क्योंकि वे पूरी तरह से विपरीत अवधारणाएं हैं। इस कारण से, जब इन कलात्मक धारणाओं को आत्मसात किया जाता है, तो एक अमूर्त कार्य और एक आलंकारिक कार्य के बीच अंतर करना आसान होता है.

सूची

• 1 अमूर्तन और अंजीर
  • 1.1 अलंकारिक दुनिया के साथ दूरी
• 2 उत्पत्ति और इतिहास
  • 2.1 क्यूबिज़्म, एक्सप्रेशनिज़्म और फ़ॉविज़्म का प्रभाव
  • २.२ बौडेलेयर से मलाराम तक: रेफरेंस से दूरी बनाने का प्रयास
  • 2.3 क्लाउड डेब्यू के म्यूजिकल वॉटरकलर्स
• 3 सार कला की विशेषताएँ
  • 3.1 सार पर कब्जा करना चाहता है
  • ३.२ स्वतंत्रता
  • 3.3 वास्तविक रूपों की अनुपस्थिति
• 4 पेंटिंग
  • ४.१ -वासिली कांडिंस्की
  • 4.2 पहला अमूर्त जल रंग
  • ४.३ -पिट मोंड्रियन
• 5 मूर्तिकला
  • 5.1 -हेनरी मूर
  • 5.2 -रिचर्ड सेरा
• 6 वास्तुकला
  • 6.1 -मिस वैन डेर रोहे
  • ६.२ -रिटिट रिट्वेल्ड
• 7 संगीत
  • 7.1 - इगोर स्ट्राविंस्की
  • 7.2-मौरिस रवेल
• 8 संदर्भ

अमूर्तन और अंजीर

अमूर्तता की घटना स्वयं प्रकट होती है जब निर्मित तत्व को वास्तविकता में किसी भी मौजूदा तत्व के साथ जोड़ना संभव नहीं होता है.

उदाहरण के लिए, यदि किसी पेड़ की छवि को लिया जाता है और उसे धुंधला या संशोधित किया जाता है, तो इस कलात्मक खेल को अमूर्त नहीं माना जा सकता है, क्योंकि छवि अभी भी मूल आकृति का सार बरकरार रखती है; यह अभी भी आलंकारिक है.

दूसरी ओर, जिन छवियों का कोई वास्तविक संदर्भ नहीं है, उन्हें अमूर्त के रूप में लिया जा सकता है। अमूर्त कला के क्षेत्र में ज्यामितीय अमूर्तता, औपचारिकता और अभिव्यक्तिवादी अमूर्तता जैसे कई पहलू हैं। हालांकि, सभी वास्तविक संदर्भ की अनुपस्थिति से संबंधित हैं.

सपनों से संबंधित उन आंकड़ों को एक अमूर्त के रूप में नहीं माना जा सकता है, हालांकि सपने और बुरे सपने असली छवियों को उकसा सकते हैं (उदाहरण के लिए, एक गेंडा), यह अभी भी उन संदर्भों को बनाए रखता है जो वास्तविकता में पाया जा सकता है (मामले में) गेंडा के साथ, यह एक सींग वाला घोड़ा है).

आलंकारिक दुनिया से दूर

अमूर्ततावाद ने मौलिक रूप से कलात्मक दुनिया को बदल दिया, क्योंकि इस घटना से पहले, कला इस तथ्य के बावजूद बनी हुई थी कि इस तथ्य के बावजूद कि उन्नीसवीं और बीसवीं शताब्दियों के दौरान प्रभाववाद जैसे अन्य आंदोलनों के माध्यम से फार्म धुंधला होना शुरू हो गया था , पोस्ट-इंप्रेशनिज़्म और क्यूबिज़्म.

उस समय से जब मनुष्य गुफाओं में चित्रित किया गया था, कला वास्तविकता का प्रतिनिधित्व करने के लिए एक खोज बनी रही.

बीसवीं शताब्दी तक कलाकार अपने परिवेश और अपने संदर्भ से खुद को अलग नहीं कर पाए थे, इसलिए उस अमूर्त कला ने एक ऐतिहासिक क्षण की शुरुआत को खोलने की अनुमति दी, जो महान सामाजिक परिवर्तनों और एक सौंदर्य नवीकरण की आकांक्षा थी.

अमूर्त संगीत के साथ जोड़ा जा सकता है, क्योंकि ध्वनियों को आलंकारिक नहीं किया जा सकता है (संगीत नामकरण के बावजूद)। रंग और आकार भी सार हैं, क्योंकि यह संभावनाओं की एक विस्तृत श्रृंखला प्रदान करता है जो जरूरी नहीं कि एक वास्तविक प्रेषक होना चाहिए.

उत्पत्ति और इतिहास

सार कला की उत्पत्ति पिछले आंदोलनों जैसे कि क्यूबिज़्म और फ़ॉविज़्म में हुई है; हालाँकि, एक विशेष पेंटिंग है जो वास्तविक वस्तुओं के प्रतिनिधित्व और रंगों की दृश्य धारणा के बीच अलगाव के लिए एक प्रारंभिक बिंदु के रूप में कार्य करती है.

यह काम चित्रकार जेम्स मैकनील व्हिसलर का है और इसका शीर्षक है काले और सोने में निशाचर: गिरने वाला रॉकेट. इस 1874 पेंटिंग में आप गहरे रंगों की एक श्रृंखला देख सकते हैं और मानव रूपों या वास्तुशिल्प निर्माणों को सीधे खोजना मुश्किल है.

आसानी से सराहना की जाने वाली रोशनी और छाया के ब्रशस्ट्रोक हैं, इसके अलावा सुनहरे डॉट्स जो आतिशबाजी शो को उकसाते हैं.

क्यूबिज्म, एक्सप्रेशनिज़्म एंड फ़ॉविज़्म का प्रभाव

पाब्लो पिकासो और जॉर्जेस ब्राक के कार्यों की उपस्थिति के साथ, ज्यामितीय आकृतियों और फ्लैट रंगों के लिए एक शक्तिशाली प्रवेश की अनुमति दी गई थी। इसी तरह, पॉल सेज़ेन ने भी एक वैकल्पिक वास्तविकता के निर्माण में अपनी शुरुआत में उद्यम किया; यही है, उन्होंने आलंकारिक के पुनर्निर्माण पर काम किया.

बदले में, अभिव्यक्तिवादी कलाकार शोषण के लिए जिम्मेदार थे - यहां तक ​​कि एक भड़काऊ तरीके से भी - रंग पैलेट और रूपों की तीव्रता। उनके चित्रों को आलोचकों द्वारा पैशन के अतिप्रवाह के रूप में माना जाता है, जो एक महान सामाजिक निराशा के युग से पहले प्रतिक्रियात्मक तरीके से प्रकट हुए थे.

उसी तरह, एक काम की तरह चीख एडवर्ड चबाना के विकास के लिए मौलिक है जो बाद में बीसवीं शताब्दी की अमूर्त या गैर-आलंकारिक कला थी। इसे शीर्षक वाली पेंटिंग को भी ध्यान में रखा गया है मसीह का ब्रसेल्स में प्रवेश, जेम्स एंसर द्वारा.

अन्य महान अवांट-गार्ड के प्रतिपादक, जैसे कि पॉल गाउगिन, हेनरी मैटिस और जॉर्जेस सेरात, को प्रमुख प्रेरणा माना जाता है, जो बाद में अमूर्ततावाद के सबसे बड़े प्रतिनिधि थे, वासिली कैंडिंस्की.

ऐसा इसलिए है क्योंकि कच्चे रंग की भाषा, इसके अलग-अलग ब्रश स्ट्रोक के साथ, प्रसिद्ध अग्रदूत को दृढ़ता से प्रभावित करती है.

बौडेलेयर से मलाराम तक: संदर्भ को दूर करने का प्रयास

लेखन की दुनिया में भी अलग-अलग आंदोलनों का विकास हो रहा था जिसका उद्देश्य सभी वास्तविक संदर्भों के साथ स्थापित और समाप्त होने के साथ टूटना था। अक्षरों के क्षेत्र में यह अलगाव थोड़ा अधिक कठिन था, क्योंकि मानव मन में शब्द हमेशा अपने संदर्भ को वापस लेने की कोशिश करेंगे.

हालांकि, इन कवियों ने शब्द की ध्वनिक छवि के माध्यम से रूप की आंतरिकता के साथ लिंक प्राप्त किया, खुद को उस अवधारणा से अलग करते हुए जिसे यह संदर्भित करता है।.

आधुनिकता के महान कवि चार्ल्स बौडेलेर इस विचार के बीज बोने के लिए जिम्मेदार थे कि सभी इंद्रियां कुछ कलात्मक उत्तेजनाओं पर प्रतिक्रिया करती हैं, क्योंकि ये एक गहरे सौंदर्य स्तर से जुड़े होते हैं जो मनुष्य के अवचेतन के भीतर रहते हैं.

दूसरे शब्दों में, सभी कलाओं में आंख में, कान में और संवेदक के दिमाग में कुछ विशिष्ट संवेदनाओं को जगाने की क्षमता होती है, बिना किसी वास्तविक संदर्भ के प्रतिक्रिया देने की आवश्यकता.

इसी तरह, स्टीफन मल्लमरे, आर्थर रिंबाउड और गुइल्यूम अपोलिनेयर जैसे प्रसिद्ध फ्रांसीसी कवियों ने शब्दों की सौहार्दता के आनंद पर ध्यान केंद्रित करने के लिए संदर्भित रूप को दूर करने की मांग की और वे पाठक को संदर्भित किए बिना पाठक में क्या उकसा सकते हैं। संकल्पना.

इसका मतलब यह है कि यह पाठक की मानसिक संरचना को संशोधित करने का प्रश्न है, ताकि यह स्थापित मापदंडों से अलग हो जाए और शब्दांशों की शुद्धता के माध्यम से विभिन्न संवेदनाओं को संयोजित करने और बनाने की हिम्मत करे। इसलिए, यह लेखन के भीतर एक अमूर्तता है.

क्लाउड डेब्यू के म्यूजिकल वॉटरकलर्स

जैसा कि बाद में अमूर्त कला का संगीत पूर्वज था, महान संगीतकार क्लॉड डेबूसि, जिनके संगीत के टुकड़े इंप्रेशनिस्ट और पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट चित्रकारों के ब्रशस्ट्रोक की नकल करते थे.

उसी तरह, यह संगीतकार भी प्रतीकात्मक आंदोलन से जुड़ा हुआ है, क्योंकि उसके नोट्स एक मजबूत अलंकारिक आवेश द्वारा गठित किए गए थे, जिसके साथ एक उल्लेखनीय प्राच्य प्रभाव भी था।.

इसका मतलब यह है कि, डेब्यू और एरिक सैटी जैसे संगीतकारों के लिए, रोजमर्रा की जिंदगी में देखी जाने वाली वस्तुएं केवल प्रतीक हैं जो बहुत गहरी वास्तविकता का जवाब देती हैं, जो रंग और आंदोलन के साथ ध्वनि के माध्यम से मानव को प्रकट होती हैं।.

अमूर्त कला की विशेषताएँ

सार को पकड़ना चाहता है

हालांकि इसके अलग-अलग पहलू हैं, अमूर्तवादी आंदोलन मुख्य रूप से वस्तुओं के आदिम सार की खोज की विशेषता है.

इसलिए, अमूर्त कला अपने शुद्ध स्तरों पर चेतना और बेहोशी की खोज को अपनी कलात्मक अभिव्यक्तियों में पकड़ने की कोशिश करती है.

स्वतंत्रता

इसकी मुख्य विशेषताओं में से एक तकनीक और तत्वों को लागू करने की स्वतंत्रता है, और इन संसाधनों का महत्व है.

उदाहरण के लिए, यह स्पष्ट रूप से रंगीन क्षेत्र में लागू होता है: रंगों की अपनी कलात्मक अभिव्यक्ति होती है, बिना वास्तविक अवधारणा को संदर्भित किए बिना.

वास्तविक रूपों की अनुपस्थिति

अमूर्ततावाद में वास्तविक रूपों का अभाव है; केवल ज्यामितीय आंकड़े का उपयोग किया जाता है, क्योंकि यह एक शैली है जो प्रपत्र की कुल सादगी की अपील करता है.

चित्र

-वासिलि कैंडिंस्की

कई आलोचकों के लिए, अमूर्त कला वासिली कैंडिंस्की के कार्यों से शुरू होती है; हालांकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि वर्ष 1910 में, फ्रांसीसी मार्बल्ड मार्बल्स प्रसिद्ध हो गए, जिन्हें अमूर्तन की शुरुआत माना जा सकता है.

हालांकि, विशेषज्ञों के अनुसार, कला के इतिहास में कैंडिंस्की का महत्व निर्विवाद है। इस चित्रकार के पास प्राच्य रक्त की विरासत थी, जिसका उपयोग उन्होंने अपने कार्यों के लिए किया.

इसके अलावा, एक ही कलाकार ने मॉस्को के पौराणिक कैथेड्रल से प्रेरित होने के लिए स्वीकार किया; उनके अनुसार, शहर की रंगीन वास्तुकला बाहरी रूप में कलात्मक झड़पों से बनी थी, जो एक सौहार्दपूर्ण सौंदर्य और सांस्कृतिक एकता को दर्शाती थी.

अपने कलात्मक काम के दौरान, कैंडिंस्की ने मौलिक रूप की खोज की वकालत की। इस कारण से, उनके काम को तीन शब्दों में संक्षेपित किया जा सकता है: रंग, धारणा और संवेदना.

नतीजतन, यह स्थापित किया जा सकता है कि अमूर्त कला एक रियायत है जो पूर्ण की एक रहस्यमय स्थिति को निर्धारित करती है; यही है, वह एक सतत वैचारिक और दार्शनिक विकास के लिए दांव लगाता है.

पहला अमूर्त जल रंग

सौंदर्य तीनों बजट को प्राप्त करने, लेखक सचित्र काम, रेखा, विमान और रंग के भीतर प्राथमिक -elemento बिंदु के रूप में बुनियादी प्लास्टिक तत्वों के इस्तेमाल को बढ़ावा.

इन तत्वों के बीच संघों और लिंक के माध्यम से, मैंने मानव आंख के लिए नई और विभिन्न धारणाएं या संवेदनाएं प्राप्त कीं.

इसे ध्यान में रखते हुए, यह कहा जा सकता है कि अमूर्त कला का जन्म वर्ष 1910 में हुआ था सार पानी का रंग कैंडिंस्की का। इस पेंटिंग में आप वास्तविकताओं के सहयोग के बिना रंगीन आकृतियों, रेखाओं और प्लास्टिक मूल्यों को देख सकते हैं; अर्थात्, यह गैर-आलंकारिक तत्वों से बना कार्य है.

इसके अलावा, यदि दर्शक इस काम को ध्यान से देखता है, तो आप अनुभव कर सकते हैं कि पेंटिंग ज्यादातर प्राथमिक और माध्यमिक रंगों से बनी है, मुख्य रूप से नीले और लाल रंग को उजागर करती है। वे भूरे रंग के टन के कुछ स्ट्रोक को भी उजागर करते हैं, जो अन्य रंगों की जीवंतता के विपरीत होता है.

-पीट मोंड्रियन

यह प्रसिद्ध डच चित्रकार अमूर्तवाद में अपनी शुरुआत के विशेषज्ञ नहीं थे, लेकिन पहले अन्य शैलियों जैसे प्रकृतिवाद और प्रतीकवाद के साथ काम किया। शैलियों की बहुलता के बावजूद, उनकी प्लास्टिक कला उनके दार्शनिक और आध्यात्मिक अध्ययनों से प्रभावित रही.

मोंड्रियन ने चीजों के महत्वपूर्ण सार को खोजने के लिए, अपने चित्रों में ब्रह्मांड की मूल संरचना को खोजने के लिए ज्यामितीय अमूर्तता के साथ एक विशेष तरीके से खेला।.

इस कारण से, अपने काम ज्यादातर सफेद-जो एक "गैर-रंग" प्रकाश के समग्र उपस्थिति और सभी रंग और काले रंग की वजह से माना जाता है, भी एक "नहीं- माना जाता से चिह्नित हैं रंग "प्रकाश की कुल अनुपस्थिति और सभी रंगों की उपस्थिति के कारण.

उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाओं में से एक, जिसे अमूर्त वास्तुकला के साथ जोड़ा गया है, पेंटिंग का हकदार है लाल, पीले, नीले और काले रंग में रचना, जो उन्होंने 1921 के वर्ष में बनाया था.

इसमें आप विभिन्न आकारों और रंगों के आयताकार आंकड़ों की एक श्रृंखला देख सकते हैं; हालाँकि, पैलेट काफी बुनियादी और प्राथमिक है: जैसा कि नाम से ही स्पष्ट है, यह लाल, पीला, नीला और काला रंग है, जो कि अभिव्यक्तिवादी मार्क रोथको के चित्रों को याद दिला सकता है।.

मूर्ति

मूर्तिकला को अमूर्तवादी आंदोलन में पीछे नहीं छोड़ा गया था; वास्तव में, उन्होंने शैली के भीतर एक नवीनता पेश की: त्रि-आयामी। ऐसा इसलिए हुआ क्योंकि अमूर्त पेंटिंग के अंदर आंकड़े हमेशा सपाट दिखाई देते हैं, जबकि मूर्तिकला में रूप की गहराई को बढ़ावा दिया जाता है.

-हेनरी मूर

इसके मुख्य प्रतिपादकों में से एक ब्रिटिश मूर्तिकार हेनरी मूर थे, जिनकी एकरूपता में कलाकार के अनुसार थोड़ी सी रोमांटिक और विक्टोरियन प्रेरणा का होना और गति बनाए रखना प्रतीत होता है।.

मूर ने भी महान पुनर्जागरण कलाकारों जैसे कि Giotto, माइकल एंजेलो और जियोवानी पिसानो से प्रभावित होने की बात स्वीकार की। इसके अलावा, लेखक पूर्व-कोलंबियन टोलटेक और मयन मूर्तियों के आकार से चकित था.

इसके कई अमूर्त रूप मुख्य रूप से संगमरमर और कांस्य में उकेरे गए थे। अपने कैरियर की शुरुआत में मूर ने प्रत्यक्ष नक्काशी लागू की; हालांकि, 1940 के दौरान मूर्तिकार ने ढलाई प्लास्टर या मिट्टी से शुरू करने का फैसला किया, और पारंपरिक और पुराने कलाकारों को खोया केक भी लगाया।.

लहरों

उनकी मूर्तियां मुख्य विशेषता के रूप में हैं, जो कि निर्बाध और खाली जगहों के साथ रूपों का उपयोग करती हैं, प्रेरणा है कि आलोचकों के अनुसार, अंग्रेजी काउंटी यॉर्कशायर, उनकी मूल धरती के परिदृश्य के अधिग्रहण.

इस तथ्य के बावजूद कि अमूर्त पेंटिंग आलंकारिक के उन्मूलन की वकालत करती है, हेनरी मूर की रचनाओं में हम उन अमूर्तियों को देख सकते हैं जो मानव आकृति से खुद को अलग नहीं करती हैं। आप महिला शरीर और मातृ आंकड़ों के प्रतिनिधित्व को भी अलग कर सकते हैं.

मूर के सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक तथाकथित है थ्री वे पीस नं। २, जो टोरंटो सिटी हॉल प्लाजा में स्थित है और 1964 में बनाया गया था.

यह मोनोक्रोम मूर्तिकला टुकड़ा उन लोगों में से एक है जो सर्वोत्तम रूप से अमूर्तता के उपदेशों को मानते हैं, क्योंकि इसका आकार सीधे किसी भी वास्तविक संदर्भ से नहीं जोड़ा जा सकता है.

-रिचर्ड सेरा

अमूर्त मूर्तिकला का एक और महान प्रतिपादक अमेरिकी राष्ट्रीयता के प्रसिद्ध प्लास्टिक कलाकार रिचर्ड सेरा है। यह कलाकार, जो अभी भी रहता है, आलोचकों द्वारा हमारे समय के सर्वश्रेष्ठ मूर्तिकारों में से एक माना जाता है.

सेरा एक न्यूनतम मूर्तिकार है जो स्टील प्लेटिन के विशाल टुकड़ों के साथ काम करना पसंद करता है, जो उसके सौंदर्य कार्य को अधिक सराहनीय बनाता है.

कलाकार का पहला चरण वह है जो अमूर्तवादी आदर्शों के साथ बेहतर तरीके से मेल खाता है, जिसके लिए वह ज्यादातर पिघले हुए सीसे की सामग्री का उपयोग करता है.

स्टील का काम करता है

यह बड़े आयताकार इस्पात संरचनाओं को बनाने के लिए भी जाना जाता है। सबसे प्रसिद्ध में से एक कॉल है झुका हुआ आर्क, यह 3.5 मीटर ऊँचा है और इसमें एक विचारोत्तेजक और सूक्ष्म वक्रता है। इस मूर्तिकला को आज न्यूयॉर्क शहर में फेडरल प्लाजा में देखा जा सकता है.

कलात्मक आलोचकों द्वारा बहुत सराही गई एक अन्य मूर्तिकला के रूप में जाना जाता है साँप, जिसे तीन स्टील परतों द्वारा गठित किया गया है, जो वक्रता का भी आनंद लेते हैं (ज्यामितीय आकृतियों के भीतर घटता इस कलाकार की सबसे अधिक प्रतिनिधि विशेषताएं हैं)। काम गुगेनहाइम संग्रहालय बिलबाओ में स्थित है.

सेरा का सबसे अधिक मान्यता प्राप्त और सबसे अच्छा काम करता है समय की बात, जो महान आकार की सात उल्लेखनीय मूर्तियों से बना है, जो कलाकार की पसंदीदा सामग्री है: कॉर्टन स्टील.

ये आंकड़े पूरी तरह गोल और तिरछी आकृतियों से बने हैं, जो प्रकृति के रूपों की याद दिलाते हैं और मानव निर्माण के रूप में समय के गोल और भ्रामक प्रकृति.

आर्किटेक्चर

बीसवीं शताब्दी के दौरान वास्तु अनुशासन के भीतर सार और आदिम रूपों की खोज भी प्रकट हुई थी। इस कारण से, अमूर्त वास्तुकला में ज्यामितीय और सपाट आकृतियाँ हावी हैं, जिन्हें न्यूनतम शैली में भी लिया गया है.

इसी समय, इस सौंदर्य शैली से संबंधित वास्तुकला रूप के वास्तविक मूल्य से संपर्क करने की कोशिश करती है, इसे अराजकता और रोजमर्रा की जिंदगी की मनमानी वास्तविकता से अलग करती है। इन तत्वों के भीतर, वास्तुकला का टुकड़ा प्रकृति से प्रेरित है, लेकिन कलात्मक आत्मा की सादगी के लिए इसकी खोज में तेजी से स्पष्ट है.

वास्तुकला में, मूर्तिकला अमूर्त के सिद्धांतों को समायोजित करने के लिए आवश्यक है, मूर्तिकला की तरह, इसके लिए रूप के तीन आयामी अहसास की आवश्यकता होती है। इसके अलावा, बुनियादी ढांचे को बाहर करने से पहले, कलाकार को यह सवाल करना आवश्यक है कि क्या वह जिस रूप में उत्पादन करना चाहता है वह ठोस वास्तविकता में किया जा सकता है या नहीं.

आम तौर पर, अमूर्त वास्तुकला बड़ी आयताकार खिड़कियों से बना होता है, साथ ही सरल और ठोस चौकोर आकार भी.  

-Mies van der Rohe

सबसे प्रसिद्ध अमूर्त वास्तुकारों में से एक जर्मन-अमेरिकी मेज़ वैन डेर रोहे हैं, जो इतिहास में आधुनिक वास्तुकला में सबसे महत्वपूर्ण कलाकारों में से एक के रूप में नीचे चले गए। वह उल्लेखनीय बॉहॉस जर्मन स्कूल के निदेशक थे; हालाँकि, उन्हें नाज़ीवाद के प्रवेश के कारण कार्यालय छोड़ना पड़ा.

इसकी वास्तुकला इसकी सादगी और स्पष्टता के लिए पहचानी जाती है, यह अमूर्तता की विशेषता है। इसके अलावा, कलाकार पसंदीदा सामग्री औद्योगिक स्टील और उल्लेखनीय ग्लास शीट थे, जिसका उपयोग उन्होंने मुखौटे के इंटीरियर के लिए किया था.

उनके सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक बार्सिलोना में है और उनके नाम पर रखा गया है जर्मन मंडप, 1929 के वर्ष में इसका समापन हुआ। इसकी वास्तुकला सरल ज्यामितीय आकृतियों से बनी है और इसके आकार के लिए ध्यान आकर्षित करती है। इसमें एक स्वतंत्र पौधा होता है और यह नियोप्लास्टिकवाद के उल्लेखनीय प्रभावों को बनाए रखता है.

-गेरिट रिटवेल्ड

गेरिट रिटवेल्ड एक प्रसिद्ध प्लास्टिक कलाकार थे, जिनके पास विभिन्न पहलुओं थे, क्योंकि वे न केवल वास्तुकला में बल्कि बढ़ईगीरी और डिजाइन में भी खड़े थे। आपका टूल डिज़ाइन, जैसे लाल और नीला चेयर 1918 में, आधुनिक और ज्यामितीय चरित्र को युग के एक तत्व के रूप में दर्शाते हैं.

उनका सबसे प्रसिद्ध वास्तुशिल्प काम और अमूर्त सौंदर्यशास्त्र के समान ही तथाकथित है रिट्वेल्ड श्रोडर हाउस, जो 1924 के वर्ष में बनाया गया था। वर्तमान में, इस जगह का उपयोग संग्रहालय के रूप में किया जाता है.

इसकी विशेषताओं के बारे में, घर के आंतरिक और बाहरी दोनों ही पिछले सभी वास्तुशिल्प मापदंडों के साथ एक बदलाव का संकेत देते हैं; इसलिए काम का महत्व.

घर के अंदर कोई कमरे नहीं हैं, केवल एक व्यापक रूप से खुला क्षेत्र है। बाहरी का मुखौटा रेखाओं और विमानों द्वारा निर्मित होता है, कुछ अलग बनाने के उद्देश्य से दूर और रंगीन होता है.

संगीत

जैसा कि पहले पैराग्राफ में उल्लेख किया गया है, यह याद रखना महत्वपूर्ण है कि संगीत अपने आप में सार है, क्योंकि यह स्कोर के लिए एक प्रतीकात्मक नामकरण होने के बावजूद आलंकारिक नहीं हो सकता है.

इसलिए, एक कलात्मक आंदोलन के रूप में अमूर्त संगीत मौजूद नहीं हो सकता है। हालाँकि, संगीत की एक शैली है जिसे निरपेक्ष संगीत के रूप में जाना जाता है, जिसमें वे संगीतमय कार्य शामिल होते हैं जिनमें कोई अतिरिक्त संगीत नहीं होता है; यही है, वे किसी भी पाठ से जुड़े नहीं हैं.

दूसरे शब्दों में, पूर्ण संगीत में कविता और गीतों का अभाव है, यह केवल एक महत्वपूर्ण रचना है; इसलिए, यह माना जा सकता है कि गीत संगीत की कमी इस शैली से संबंधित है। कुछ उदाहरण सोनाटा में, सिम्फनी में या एक संगीत कार्यक्रम में पाए जा सकते हैं.

बीसवीं शताब्दी के दौरान कई संगीतकार थे जो अपने संगीतमय कलात्मक नवाचारों के लिए बाहर खड़े थे और जो कि अमूर्तनवाद की शुरुआत के साथ मेल खाते थे। सबसे प्रमुख में इगोर स्ट्राविंस्की और मौरिस रवेल हैं.

-इगोर स्ट्राविंस्की

स्ट्राविन्स्की एक ऑर्केस्ट्रा कंडक्टर और रूसी राष्ट्रीयता के संगीतकार थे, जिन्हें 20 वीं शताब्दी के सर्वश्रेष्ठ संगीतकारों में से एक माना जाता है। जब वह 89 वर्ष के थे, तब तक वे अलग-अलग संगीत पहलुओं का पता लगाने का अवसर रखते थे; हालाँकि, उनके सबसे अधिक पहचाने जाने वाले काम थे, जो उनके पहले साल के कलात्मक करियर के दौरान विस्तृत थे.

उनकी सबसे प्रशंसित रचनाओं में से एक है कॉल अग्नि पक्षी, एक बैले जिसका प्रीमियर 1910 में पेरिस में पहली बार हुआ था.

-मौरिस रावेल

क्लाउड डेब्यू की तरह, यह प्रसिद्ध फ्रांसीसी संगीतकार तथाकथित प्रभाववादी संगीत में खड़ा था, जो इसके प्राच्य प्रभावों और ध्वनियों के माध्यम से रंगों की निकासी की विशेषता है। रवेल ने अभिव्यक्तिवाद और नवशास्त्रवाद की विशेषताओं को भी बनाए रखा.

यह संगीतकार कई कामों के लिए प्रशंसित है, और उसके सबसे अधिक प्रदर्शन में से एक है बोलेरो, जिसका वर्ष 1928 में पेरिस में प्रीमियर हुआ था; उस क्षण से इस रचना की सफलता बड़े पैमाने पर और सार्वभौमिक थी। उनका आर्केस्ट्रा आंदोलन गर्म स्पेनिश नृत्य से प्रेरित है, जो उस समय बहुत लोकप्रिय था.

संदर्भ

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